La parole théâtrale

Privé de narrateur comme dans d’autres genres, le théâtre n’est possible qu’au travers de la parole ; les explications, les détails descriptifs, l’intrigue, toutes les informations sont données à travers les mots prononcés par les personnages grâce aux dialogues, aux monologues, aux tirades et aux apartés. Même lorsque la parole dite par le personnage paraît spontanée, elle est très éloignée de la vie quotidienne : la communication est codifiée par des règles qui varient selon les genres.

Le langage n’est pas essentiellement verbal. Grâce à la dimension de spectacle, les personnages peuvent communiquer et informer le public à travers les gestes, les attitudes, les costumes, les objets et les regards. Dans Britannicus (1669) de Racine (1639-1699), Britannicus et Junie parviennent, par la capacité du regard et des yeux, à communiquer en présence de Néron et à transmettre leurs émotions au public (III, 7).

Dans le texte écrit, ce sont aussi les didascalies qui complètent les informations nécessaires au lecteur et à la compréhension de la pièce. Elles permettent de connaître le nom des personnages, les divisions en actes et en scènes, les précisions spatio-temporelles, les gestes et toutes les indications de mise en scène données par l’auteur. Le théâtre de l’absurde propose un théâtre particulier où les didascalies jouent un rôle essentiel dans la compréhension de l’action et des personnages, et montrent l’incapacité et l’inefficacité des mots, à l’image de la vie : par exemple, les didascalies initiales de Fin de partie (1957) de Samuel Beckett (1906-1989).&

Le texte peut aussi varier selon les époques. De l’Antiquité au XVII^e siècle, les personnages s’expriment en vers et plus particulièrement en alexandrins sous la période classique, même si Hugo compose lui aussi en alexandrins ses drames romantiques, en leur donnant ainsi plus de liberté. La prose apparaît au théâtre dans certaines comédies de Molière, puis se généralise peu à peu pour permettre encore plus de réalisme.

Le théâtre est régi par le principe de la double énonciation :

• Les personnages sont mis en situation directe avec le public, mais ne peuvent s’adresser directement à lui.
• L’auteur doit contourner cette difficulté par divers procédés.

1. Le dialogue

De longueur variable, le dialogue permet un échange de propos.

2. Les stichomythies

Ce sont des répliques plutôt brèves qui peuvent parfois être violentes et contribuer à la tension dramatique.

3. La tirade

C'est une longue réplique qui a pour but de convaincre, de persuader, d’expliquer ou d’avouer : comme dans l’acte I scène 3 de Phèdre où le personnage avoue son amour pour Hippolyte.

4. Le monologue

Lorsqu’une longue tirade est dite par un personnage qui s’adresse à lui-même, seul sur scène, il s’agit d’un monologue. Il permet au personnage de faire le point sur sa situation, sur la difficulté qu’il éprouve pour communiquer ou pour exprimer des hésitations concernant une décision qu’il doit prendre. 

• Le monologue de Hamlet, III, 1 (1600-1601) montre le personnage de Shakespeare (1564-1616) menant une réflexion sur le suicide.
• Dans l’acte I, scène 6 du Cid (1637), Corneille met en place un monologue délibératif en confrontant deux voix appartenant au même personnage. Il met en scène, avec lyrisme, un dilemme opposant honneur et amour.
• Dans On ne badine pas avec l’amour (1834) d’Alfred de Musset, le monologue de maître Bridaine (II, 2) donne à voir une véritable scène et fait appel à l’imagination du spectateur puisque celui-ci ne voit pas la scène dont il est question.

Le monologue permet aussi ici au personnage d’extérioriser ses angoisses en créant une diversion. C’est le propre du monologue classique qui sert à exprimer des sentiments et à faire le bilan d’une situation. 

5. L’aparté

Il désigne la situation dans laquelle le personnage prononce des propos, en présence d’autres personnages, mais que seul le public entend afin de provoquer un effet comique. Ce procédé est présent dans la plupart des comédies de Molière.